ROLAND DAHINDEN | composer - performer
PORTRAIT
NEOBLOG, Swiss Contemporary Music
JAZZ'N'MORE October 2022
JAZZ PODIUM 2024
BRAXTON-DAHINDEN-KLEEB
TALKING WITH CHARLIE
CD TALKING WITH CHARLIE „unüberhörbar spitze“, Maximum Award in JAZZ’N’MORE, November 2018
Roland Dahinden
An Imaginary Talk With Charlie Parker
Dario Calderone (b), Gareth Davis (bcl), Koen Kaptijn (tb),
Peppe Garcia (perc), Roland Dahinden (comp)
(Hat Hut/Outhere)
Blitzschnelle Interaktionen und Kurz‐Exploits, die man auch als Bebop-Phrasen deuten könnte, sind die einzigen Artikulationen, die konkret an Charlie Parker erinnern mögen. Die fünf Kompositionen fallen zunächst mit ihrem methodischen Raster auf, in dem phonologische, morphologische und semantische Parameter der Beschäftigung mit Charlie Parker ausgelotet werden. Musikalisch sind das so abenteuerlich schweifende wie präzise verzahnte Mikrostrukturen, Texturen, Klanglichkeiten. Hervorragend auch der Space und die Reduktion, die der latenten Blitz‐Energie entgegenstrahlen. Am Anfang stand eine Auftragskomposition, die der Posaunist und Komponist Roland Dahinden für den Bassklarinettisten Gareth Davis und sein Quartett schrieb. Er sei hingesessen und habe Schritt für Schritt einen imaginären Dialog mit Charlie Parker, einem seiner „heroes“, geführt, sagt Dahinden in den sehr lesenswerten Liner Notes von Andy Hamilton. Dahinden, der länger bei Anthony Braxton studierte und sein Assistent wurde, bewegt sich als risikofreudiger Posaunist und kühner Komponist seit Jahren auf der Schnittstelle von Improvisation und Komposition. Hört man sein aktuelles Werk, das in grafischer und konventioneller Notation geschrieben wurde, taucht man ein in die Unmittelbarkeit der offenen Komposition. Sie braucht beides: Komplexe Partituren, die eine mögliche Architektur vorgeben, und den improvisatorischen Geist des Quartetts, der sie baut.
Pirmin Bossart, JAZZ’N’MORE, November 2018
Roland Dahinden: Talking with Charlie
Roland Dahinden ‐ Talking with Charlie ‐ An imaginary talk with Charlie Parker ‐ 1: Phonological Extension; 2: Free Morphenes; 3: All ‐ O ‐ Phones; 4: Morphological Drift; 5; Semantic Crossings. Dario Calderone: contrabass; Gareth Davis: bass clarinet; Koen Kaptijn: trombone; Peppe Garcia: percussion
There are several ways to pay homage to one of the most influential musicians in the history of the art, Charlie Parker. Like that other (most influential) icon of modern music (no, not Stravinsky), Thelonious Monk, it’s a toss‐up as to whether they are better honoured by playing their difficult, impossible‐to‐copy music without barefaced (and often crass) imitation or whether to write music in honour of them by re‐imagining the “them” rather than their idiom ‐ in this case bebop ‐ in our, modern times. Anthony Braxton ‐ the inimitable, quintessential modern musician ‐ did both on his various Parker projects recorded at various points in time (and Chick Corea’s memorable double‐CD Trio Music (ECM, 1981) did likewise for Mr Monk, although not explicitly with the “Improvisations” on Disc One of that set).
However, until this disc of music by Roland Dahinden, interpreted by Dario Calderone, Gareth Davis, Koen Kaptijn and Peppe Garcia, only the late, great Heiner Stadler came close to a fitting homage to Charlie Parker and Thelonious Monk on his feverishly brilliant double CD A Tribute to Bird and Monk (Tomato, 1978; Labor Records, 2011). What set Mr Stadler’s music ‐ “Six Compositions by Charlie Parker and Thelonious Monk Arranged for Sextet” ‐ was the sheer audacity in the very suggestion that one could imagine what Charlie Parker and Thelonious Monk would sound like in the post “avant-garde” era, when Jazz improvisation opened its mind to the ideas, concepts and gestures of the second Viennese School of Berg and Webern, the Berlin atelier of Schönberg and the Paris atelier of Stravinsky.
Mr Dahinden’s music for this quartet takes the form of an imaginary dialogue with Bird, which philosophically and musically speaking focuses on the lofty ideals of Bird re‐interpreted as music in our current millennium. Of course there is always the fact that Bird’s “Jazz” ‐ the Jazz; the Black American music ‐ arose from The Blues and its freedom was a direct result of the anguish of slavery and discrimination. Bird’s earth‐shattering melodic, harmonic and rhythmic conceptions could only have come from a direct experience of that Blues. But there is also the fact that Bird was acutely aware of the classical music of Western Europe and it has been documented that he also harboured a deep and abiding interest in the music of Béla Bartók. So who’s to say what might have been had the genius of the alto saxophone put his mind to “conversing” with the Hungarian composer?
But Mr Dahinden is not dwelling on what might have been. Rather he “walks” with Bird and as he does so, musical dialects intermingle. And it is as if Mr Dahinden listens to Bird‐speak not as bebop, but on a higher plane. This is what brings us “Phonological Extension”, when the ripples of Mr Dahinden’s aural palette encounter the white noise of Bird’s palette from beyond the infinite. What connects the two musicians is not simply music but also the same golden braid with which Douglas R. Hofstadter connected Gödel, Escher, Bach in An Eternal Golden Braid as Mr Dahinden, in his music, ponders Bird in the larger context of mathematics, symmetry and intelligence, in a series of interweaving aural narratives that begin with phonology and end in parallel semantics. And while we may never be the same result as the Black American experience of Blues and Jazz, if we appropriated Jazz with a western sensibility, we have a completely new ‐ and authentic ‐ experience of Charlie Parker and Jazz by appropriating the western sensibility to experience Jazz and Charlie Parker. And this is why Talking with Charlie not only makes eminent sense, but is also remarkably fresh and inebriating.
This is complex ‐ perhaps even difficult ‐ music but it is work that Mr Calderone, Mr Kaptijn, Mr Peppe and certainly Mr Davis are eminently qualified to play. Just as Mr Dahinden (and Heiner Stadler before him) has shown that while many can dazzle virtuosity, few can relocate the pyrotechnical bravura of Bird’s bebop to a landscape other than bebop ‐ in the case, one using a contemporary chamber music idiom. Likewise the musicians of this quartet are blessed with both formidable technique and a wonderfully rich and insinuating tonal palette, all of which has been used to maximum effect and generate a sense of excitement in this music that is utterly affecting.
Released ‐ 2018, Label ‐ hatHUT (hat [now] ART 208), Runtime ‐ 52:30
Raul da Gama, JazzdaGama, September 2018
Roland Dahinden: Talking With Charlie - An Imaginary Talk With Charlie Parker
There have been numerous Charlie Parker tributes over the years, which is to be expected, yet Swiss trombonist, composer Roland Dahinden is no stranger to thinking outside the box via his contemporary classical experience, performing pieces written for him by the likes of Anthony Braxton, John Cage and Daniel Wolf. He's also a jazz improviser and highly regarded 'idea man.' This album signifies the output of his compositions based on imaginary discussions with Parker, interpreted and executed by this multinational quartet. In a sense, Parker is bridged into avant-garde musings, as these works are rendered with swaying and fragmented conversations, swarming with impassioned and jarring musical speak.
In case anyone is wondering, this is not casual listening fabricated with easy-to-grasp storylines. It's more like an undulating ebb and flow via disparate perspectives and strident outbreaks. And the musicians' imagery projects a musical vernacular that is devoid of a formal language, which of course is the realism behind it all. But these aspects are driven home amid the artists' telepathic discourses. It is perhaps the most interesting aspect of the entire program, as the musical content is seemingly a process, where the listener is given an opportunity to delve into Dahinden's fertile imaginative powers.
"Phonological Extension" assumes a happenstance and casual gait, escalated by the quartet's explosive intervals and bass clarinetist Gareth Davis' swirling lines and trombonist Koen Kaptijn's brusque responses. Here, percussionist Peppe Garcia sprinkles a thin layer of mallet tonalities across the vibrant horns parts. Whereas, "Free Morphenes" is a tad more intimate, paced by bassist Dario Calderone's poignant and timely notes, where the band continues emulating conversations with variances in pitch and an irregular pulse.
Dahinden's gyrating currents include perplexing micro-themes, edgy upsurges and moaning horns, aligned with a surfeit of emotive aspects, leading us to believe that not all these imaginary conversations are serene or amiable. However, the quartet turns the temperature down on the low-key "Drift," although the clarinetist's spry choruses initiate a bit of mayhem, aided by Garcia's flickering drum patterns.
Call it what you will: Avant-supernatural, esoteric, or loosely structured chaos and so on, yet it's an album that invites the listener into Dahinden's somewhat phantasmagorical excursion, lucidly portrayed by the quartet's perceptive enactment of the program's core theme.
Track Listing: Phonological Extension; Free Morphenes; All - O - Phones; Morphological Drift; Semantic Crossings.
Personnel: Dario Calderone: double bass; Gareth Davis: bass clarinet; Koen Kaptijn: trombone; Peppe Garcia: percussion.
By Glenn Astarita, November 15, 2018
STONES
Zwei Tage Zeit für improvisierte Musik
Wie vielfältig die Szene improvisierter Musik in der Schweiz ist,
zeigte einmal mehr Zwei Tage Zeit – Festival für improvisierte Musik.
Thomas Meyer, 25.01.2018, SWISS MUSIC PORTAL
Wie sehr konnte man es andererseits geniessen, wenn zwei zusammenwirken, die schon seit Längstem in der Musik (und im Leben) ein Duo bilden, wenn man dabei eine gemeinsame Sprache und Sprachhaltung erlebt, ein Aufeinandereingehen und Aufeinanderhinspielen, brillant, kantig, fetzig, heftig, flächig, frisch und blitzend. Der Posaunist Roland Dahinden und die Pianistin Hildegard Kleeb führen einen wendigen, sehr gestenreichen musikalischen Dialog. Diese Festivaleröffnung machte durchaus Spass.
“Two days time” for improvised music
The Swiss improvised music scene is highly varied, as has been demonstrated once again
by the festival for improvised music “Zwei Tage Zeit”.
Thomas Meyer, 2018-01-25, SWISS MUSIC PORTAL
In the performance by the trombonist Roland Dahinden and the pianist Hildegard Kleeb, we were able to enjoy to the full what happens when two musicians come together who have long been a duo both in music and in life: they had a common language, a common turn of phrase, and they offered a give-and-take that was at one and the same time brilliant, edgy, wild, fierce, expansive, fresh and sparkling. Their concert was the festival opener, and they offered an agile, highly gestural musical dialogue that was also full of fun.
Andy Hamilton, WIRE, October 2016
CD STONES "unüberhörbar spitze" in JAZZ'N'MORE, 2016
Roland Dahinden, Hildegard Kleeb: Stones
Trombonist Roland Dahinden and Hildegard Kleeb do the music of free improvisation proud in their splendid new set of works collectively entitled Stones. In fine tradition the duo make a lasting impression of deeply integrated performances that flow naturally as if the music were being created on the spot. Both Dahinden and Kleeb speak from within; they listen to where each other is going and align themselves instantaneously to where his and her direction. They can be engagingly rustic and emotionally deep, as in the ‘Territory’ pieces, or breathe fiery dialogues into the lithe lines of ‘Flying White’ along unconventional lines. Their handling of ‘Trajectory’ is thrilling. Without sacrificing power or speed, they mine the unconventionally lyrical vein of the series of pieces throughout with expressive gestures that liberate the music’s ebb and flow.
As composers of this repertoire both Roland Dahinden and Hildegard Kleeb are unafraid to reflect aspects of their primordial surroundings in their music depicting a location that it is at once harsh and atmospheric. The result is music that manages to strike a balance between the highly experimental and the deeply expressive. In the ten works on this disc, each score or movement has a title not only numerically differentiating it from its (numerical) counterpart, but also one that points the listener in the direction of a wholly new facet of the rocky promontory about which this topographical tale is all about. The results of each of the score are suffused with vivid, molten surprises. These scores are strikingly evocations of Dahinden’s and Kleeb’s fertile impressionistic minds and each musical locale is an improvisation that drives a musical epiphany.
There is no gratuitous virtuosity here. Both Dahinden and Kleeb show utmost commitment to the expressive needs of the music, its visceral rhythm and frieze-like melody. These are sterling accounts in every way. Dahinden’s penetrating timbre and keen attention to nuance ensure that all of the music emerges with vibrant purpose, beautifully balanced by the dashing poetry by Kleeb’s pianism. The tricky balance between instruments, especially when the trombone dips into its lowest range, is never an issue – a manifestation both of the musician’s sensitivity and microphone placement that doesn’t allow one instrument to swallow the other. Best of all, the distinctive voices of each of the musicians keeps the listener enveloped in the performances as Dahinden and Kleeb use their inestimable artistic gifts to summon what was in the landscape that they ‘sing’ about so memorably.
(Raul da Gama in JazzDaGama, Canada, 2016)
Klangsteine
Das Duo Dahinden/Kleeb improvisiert mit Vehemenz und Einfühlsamkeit.
Manchmal braucht man in diesen zuhörens verloungenden und verkitschenden Zeiten schlicht diese kurzgestische, energiegeladene Art des Musizierens: prägnante, steinharte, kantige Klänge, die einen unmittelbar ansprechen, ohne Wenn und Aber, ohne Verwinklungen und Hemmnisse und ohne jede Anbiederung. Und gleich darauf fragt man sich: Wie machen die das? So in oft rasantem Tempo die Klangsteine ins Spiel zu werfen, ohne dass ein Durcheinander entsteht ...
Dahinter steckt, simpel gesagt, lebenslange Einübung. Der Posaunist Roland Dahinden und die Pianistin Hildegard Kleeb, seit dreissig Jahren im Leben wie in der Musik ein Paar, improvisieren auf dieser CD zusammen; man spürt in jedem Moment, wie vertraut sie miteinander sind, wie selbstverständlich die musikalischen Bewegungen sich ineinanderfügen. (Es bedarf schliesslich noch eines dritten zuverlässigen Partners: des Labels HatHut, das seit Jahrzehnten die Aufnahmen der beiden Musiker veröffentlicht.) Unterschiedliche Prägungen kommen hier zusammen, einmal durch die Neue Musik, aber auch durch den Jazz, in klaren, aber auch in verfremdeten Farben.
Stones – Steine nennen die beiden Musiker das zu Recht. Und um einer Assoziation gleich zuvorzukommen: Mit Steinen sind keine Juwelen gemeint; wir haben es hier mit Rohlingen zu tun, die ihre geologische Herkunft nicht verleugnen, die nicht geschmeidig der Dekoration dienen, sondern ihre Härte beweisen. Nicht nur, wenn sie ins Rollen geraten und mit Vehemenz und eruptiver Kraft daherjagen – sondern auch, wenn sie ruhig daliegen. Wunderbar, wie einfühlsam sich etwa im ruhigen Stück Flying White die Klänge ineinanderfügen, nuanciert und geräuschhaft, rein und roh. Sie stammen aus der Tiefe.
(Schweizer Musikzeitung, Thomas Meyer, 30.11.2016)
Roland Dahinden & Hildegard Kleeb
Stones
HATOLOGY CD
Stones is a mega-slow burner. But what seemed rather a dull disc, finally pulled me in – though it remains a puzzle, a riddle wrapped in an enigma even. Husband and wife team Roland Dahinden on trombone, and Hildegard Kleeb on piano, have worked together for decades, realising celebrated performances of Cage and Feldman, and working with Anthony Braxton. Here they're in free improvisation mode, with some rocky themes. "We have an Alpine hideout," Dahinden explains, "a wooden box on the Alp Gitschenen in the central part of Switzerland... The rocky landscape is very inspiring for us".
Stones takes its cue from Japanese art and Zen Buddhist garden culture, in fact. The playing is virtuoso, though at first there seemed something too precise about it, a suspicion of being too thought-out. But though the results might be too cool and non-emotional for some listeners, doubts are overcome as the music draws one in.
"Stones", "Trajectory" and "Territory" pieces are interleaved – the first of these are slow, the others uptempo. For some reason "Trajectory 1" and "Territory 1" don't appear. On "Trajectory 2", Kleeb works inside the piano, I'd guess, damping the strings by hand. "Stones 3" explores a small range of tones, quietly and obsessively, creating a feeling of great stillness, while "Trajectory 4" shows a tightly-restrained fury. "Flying White" – a unique category – is another slow piece, named after a brush technique that creates wide, ribbon-like lines. Here, the trombone begins like arco bass, becoming vocalised like the deathly croaks of an Australian crow.
"Stones 4" is a really outstanding track – the trombone's almost toneless murmurings, against what sound like sustained piano glissandos that undermine the effects of tone, creates an air of great mystery and menace, rather reminiscent of the work of George Crumb. In Dahinden's strongly vocalised trombone, the New Orleans/Ellington tradition is a distant memory.
(WIRE Jazz Magazine, October 2016, Andy Hamilton)
CD STONES Dahinden-Kleeb
Companions in life and musical inquiry, trombonist Roland Dahinden and pianist Hildegard Kleeb have navigated the arenas of new and improvised music together for over thirty years. Dedicated industry across those decades included lauded projects dealing with music of John Cage, Morton Feldman and Anthony Braxton alongside more personal performances, although the impetus of a recording career came comparatively late in 2012. Stones is a partial summation
of their sound research as a team, a program of ten selections drawn primarily from three separate improvisational series designated by numerical sequences and single-word titles.
The thematic locus of the set relates to the couple’s shared rustic home in a relatively remote region of the Alps where they’ve developed a communal language influenced in part by the natural topography of their surroundings. “Stones” “Territories” and “Trajectories” serve as the titular vessels for improvisation. Each series seeks to describe and embody facets of the physical attributes of the alpine landscape through extemporaneous sound with the former also informed by features of Japanese rock gardens. The abstraction of the sensory attributes of physical space into musical expression is no easy task and duo makes ample use of extended techniques on their instruments to achieve results.
“Stones 1” joins strangely strident yet muted piano tones with legato shapes from Dahinden that almost sound like an arco bass in places. Echo and decay factor in heavily as well and the result is a floating, diaphanous sound structure that emits
a vague feeling of menace and mystery. “Trajectory 2” contrasts sharply as effusive yet brittle brass shouts and whistles bounce repeatedly off a similarly agitated display from Kleeb’s stabbing keys. “Flying White” is different still and the only piece not aligned with the aforementioned series. Here, Dahinden and Kleeb seek to translate the tenor of a Japanese painting technique in aural terms with overlapping lines weighing delicacy and density in an uneasy alliance.
Whether measured with the intended topical context or not, Dahinden and Kleeb’s designs demonstrate a striking degree
of synergy and resolve. There are moments where the weave between their respective contributions is almost Gordian in its cohesiveness. “Trajectory 3” balances rapid loquacious activity with a clearly discernible arc of inquiry as Dahinden speaks in veritable tongues through his horn and Kleeb delivers a near-constant barrage of flinty right hand retorts. “Stones 3” and “Stones 4” unfold as the near-opposite, a vaporous tone poems that move at glacial crawl with acoustic girth and texture replacing velocity. That combing of seemingly contradictory constituencies informs the majority of pieces and keeps them
in a both figurative and musical sense from gathering even a modicum of moss.
(Dusted Magazine, Derek Taylor, June 15, 2016)
LINES
JazzPodium: CD des Monats
Jazz’N’More: Maximum Award
It’s an unflaggingly engaging two sets of music to absolutely die for!
Free improvised trio music has never sounded so fascinating.
Magically, it would seem, the musicians both know – and don’t know – where the music will take them, but trusting their instincts as well as the truth of music itself, they follow, create, shape and sculpt music that in turn sculpts, shapes, creates and guides them along its loping, elliptical, circular path.
The music of Lines exemplifies the creative process of musicians who combine uncompromisingly questing intelligence and intuition with a real consciousness of their place within music’s seemingly accelerating continuum.
Raul da Gama, Canada
Das ist Woanders-Musik. Sie bringt einen over the rainbow oder jedenfalls in fast unbegangene Landschaften oder staunenswerte Gebiete mit offenen Räumen...
Man muss sich für diese Musik Zeit gönnen, dann dringt sie tief ein, ändert über die Ohrmuschel die Atomstruktur des Organismus; man sollte jede Nuance zu erwischen bereit sein. Dann gerät man nicht nur woanders hin, sondern handelt und tagträumt bald, o Glück, anders.
Adam Olschewski, JazzPodium
GEFETZT, GERAFFT, GEWORFEN CD LINES als improvisierendes Meisterstück
Kurze, abgerissene, geradezu hingeworfene Gesten und Töne, wild, überraschend, agil, ausdifferenziert und genau, kein Gran zu viel. So präsentieren sich die „Lines“ dieses Trios. Die Töne sind so genau hingesetzt, dass man fast vermuten könnte, es handle sich um komponierte Musik. Aber gerade das stimmt nicht, die Spontaneität der Musiker ist in jedem Moment zu spüren.
Thomas Meyer, Jazz’N’More
RECALL POLLOCK
CD RECALL POLLOCK "unüberhörbar spitze" in JAZZ'N'MORE, März 2013
Ich bewundere, wie die zwei das machen. Das ist von einer Spielfreude, von einer Energie und von einer Lebendigkeit - ja, das findet man selten. Thomas Meyer (Musik unserer Zeit, Schweizer Radio und Fernsehen SRF, 9.1.2013)
Für mich eine wenn nicht die aufregendste und spannendste CD-Edition von 2012. Johannes Anders
Festival Ulrichsberger Kaleidophon 2011
Wahrscheinlich den schönsten Auftritt lieferte das Schweizer Duo Recall Pollock. Die Pianistin Hildegard Kleeb und der Posaunist Roland Dahinden begaben sich auf die Spur des amerikanischen Malers Jackson Pollock. Rasende Läufe wechselten mit sorgsam gesetzten Klavierakkorden, verträumte Melancholie traf auf zorniges Aufbegehren. Heftiger Applaus für ein Weltklassekonzert. (OÖNachrichten.at Bewertung)
Kaleidophon-Fest: Im Rachen des Alphorns
Roland Dahinden und Hildegard Kleeb demonstrierten exemplarisch, wie spontane Interaktion beglücken kann: in dem jeder Ton bewusst gesetzt, keiner verschenkt wird, indem beide ihrer eigenen Spur folgen und doch auf den anderen hören. Da konnte Dahinden mitunter dem Alphorn in den Rachen greifen, um dort mit dem Jazzbesen Erinnerungen an verwehte Rhythmen wachzurufen. In Momenten wie diesen schien die große Welt im kleinen Ulrichsberg den Atem anzuhalten. (felb, DER STANDARD - Printausgabe, 2. Mai 2011)
Bad Alchemy
von Rigo Dittmann
Was ich schon öfters mal salopp 'Pollocking' nannte, ist bei Recall Pollock (LR 651) Programm. HILDEGARD KLEEB & ROLAND DAHINDEN teilen seit 25 Jahren eine Schnittmenge aus den avantjazzigen Vorlieben des Posaunisten aus Zug, der nach Rouge, Frise Et Acide und Habarigari vor allem mit Anthony Braxton sich seinen Namen machte, und den eher avantklassischen der Pianistin aus Richenthal. Das Schweizer Label hat ART bot ihnen die Spielwiese, auf der sie Feldman, Spahlinger, De Alvaer oder Ablinger performte und beide zusammen Cage. LEO knüpft daran an mit dem Cover-Design aus bloßer Schrift. Auch Alvin Lucier und Christian Wolff gehören zum Repertoire der beiden, die hier, angeregt durch Jack the Dripper, frei improvisieren, wobei in meinen Ohren neben spritzigen Aktionen immer wieder auch der mal meditative, mal aleatorische Klang von John Cage anklingt, einschließlich seines präpariert geklopften Klaviers. Dahinden ist ein Ausbund an extended techniques, ein Flatterzüngler und Schnauber, der seinem Horn jeden nur denkbaren Schmier- und Spritzklang und allerhand unvermutete Gurr- und Schnarrlaute entlockt. Kleeb betont zwar durch harte Schläge die Hemingwayschen Züge in Pollocks Image. Öfters aber erinnern die beiden Schweizer am spritzigen Pollock-Klischee vorbei auch an den anderen Pollock, den von etwa 'Male and Female', 'The Moon-Woman', 'Blue (Moby Dick)' oder 'Easter and the Totem'. Dass sie dabei die Scheuklappen zwischen komponierter und impriovisierter JetztMusik auf spannende und einleuchtende Weise pulverisieren, ist zu selbstverständlich, um daraus ein großes Getue zu machen.
Asheville FM, Asheville, NC, USA
The Pollock in question is of course painter Jackson Pollock, the inspiration behind these 14 short improvisations by trombonist Roland Dahinden (who also plays alphorn) and pianist Hildegard Kleeb - a duo on stage and in life. Elegant and sophisticated muic, often sounding closer to contemporary chamber music than free improvisation. There's a fine, subtle chemistry beteen the players, and a certain tenderness in their musical gestures. The fact that the alphorn is a rare instrument in free improvisation gives this CD bonus points.
(Asheville FM Jazz Charts, December 2012)
Roland Dahinden & Hildegard Kleeb: Recall Pollock
One of the main qualities that I love in music is that of coherence: many artists over time have made ​​a bad use of it, especially when they saw increase their success with the public; on the contrary there are others musicians who have never a sought success, because their aim is to hit the audience without forcing, so that it is able to understand the proposal. The pianist Hildegard Kleeb and her partner trombonist Roland Dahinden have always worked to repropose and popularize the world of free improvisation of post-Cageana origin, calling to mind, on the hand, the historical names of the New York's creativity or composers belonging to its sphere of attraction (in addition with Cage, there were Wolff, Tenney, Lucier, Braxton. and so on) and on the other hand, the theoretical acceptances of much of the composition's European world: they are almost naturally involved in other musical concepts such as alea, instruments's preparation, clusters, silences, extension techniques, jazz improvisation: the paths to follow for the future of music. The Swiss couple has been appreciated many years ago for the revival of some pieces of Cage in version piano-trombone, but there is no doubt that they must to be mentioned for other recordings (among them, Kleeb should be remembered for "Grisailles", a composition for three pianos of austrian composer Peter Ablinger) The "piano-trombone" is certainly one of the lesser explored duets in jazz, so if you keep in mind also the matrix of contemporary music, the two musicians have done a special job in the artistic communication that shows the interconnections between the two instruments."Recall Pollock" is a true testament of these musical relationships: to pay homage to the painter who has completed the process of transition to the non-figurative art, could be tricky especially if you do not have sufficient means to load the expression: instead the two musicians use the narrative assumption, in which the music is described such as an ideal day of the painter: Kleeb proposes his piano playing without morphology, with clusters that evoke flow of spilled paint, while Dahinden, with an extraordinary mastery of extended techniques of the trombone, guide the hand of the painter in his nervous and creative developments; here we are faced with instruments that speak a language different from what we usually hear, terribly hard, but fascinating, showing an alternation between the most dynamic compositions and other more reflective (as if the painter was thinking about what to do)."Recall Pollock" is a valuable resource to finally define their work in a discography that usually gave a bad image of their art, suggesting a splendid vein in the reinterpretation not adequately supported by the will of composing.
(Percorsi Musicali, February 2013)
Au moment où Bryan Eubanks & Catherine Lamb rendent hommage (par un disque sur le label Sacred Realism) à la peintre Agnes Martin, la pianiste Hildegard Kleeb (improvisatrice et formidable interprète de Feldman, Cage ou Wolff) & le tromboniste Roland Dahinden – on aura rep éré le couple par exemple dans un projet Braxton publié par Hat – enregistrent une quinzaine d′impeccables petits formats «inspirés par Jackson Pollock»...
Sous le titre Recall Pollock, qui sonne presque comme un impératif, et derrière une pochette qui a le bon goût de ne pas reproduire la moindre toile (on se reportera au Free Jazz d′Ornette pour cela), le duo suisse se garde bien de nous faire le coup du dripping sonore ou du all-over; en retour, le chroniqueur ne convoquera ni sound-action-painting ni vain rapprochement trans-artistique! La musique cascade, énergique, découpée; et si elle songe au peintre, elle ne le singe heureusement pas: elle lui adresse un salut lointain; à distance, autonome, peut–être a–t–elle, oui, quelque chose du «souvenir», mais c′est de sa propre vivacité qu′elle tire tout son attrait et son inventivité.
(Guillaume Belhomme, le son du grisli)
FLYING WHITE
Minimalistisches aus der Schweiz
Sie sind beide hervorragende Bläsersolisten – der eine Posaunist aus Zug, der andere Klarinettist aus Aarau -, sie sind beide von der New York School um John Cage und Morton Feldman geprägt, und sie schreiben beide Streichquartette in langsamer Gangart und mit minimalistischem Klangmaterial. Auf beide könnte zutreffen, was der Cage-Schüler Christian Wolff einmal erstaunt feststellte: dass es nämlich in der Schweiz eine Feldman-Nachfolge gebe – eine höchst eigenständige, muss man anfügen. Damit hören Gemeinsamkeiten zwischen den beiden auf, denn jede dieser Musiken entwickelt völlig eigene Stimmungslagen.
Der eine Komponist nämlich, Roland Dahinden, hängt in seinen Streichquartetten Nr. 2 – 5 (gespielt vom Klangforum Wien String Quartet) die Töne und Akkorde gleichsam in den Raum, wie Mobiles drehen sie sich umeinander und verändern sich. Was im einen Stück ganz klar erscheint, erhält im anderen undeutliche Umrisse, beginnt im dritten zu zerfliessen, wird schattenhaft. Allmählich verändert sich auch unser Hören dabei.
Beim Aarauer Jürg Frey hingegen bewegt sich die Musik unbeirrt durch die Zeit. Matt klingt sein 2. Streichquartett (gespielt vom Bozzini-Quartett), zuweilen fast wie ein fernes, gespenstisches Raunen, aber solche Assoziationen verschwinden mit dem beharrlichen Gang dieser Musik, die mit einer ungemeinen Gleichmässigkeit, aber auch mit subtiler Variation durch eine halbe Stunde schreitet.
Thomas Meyer, Tages Anzeiger Zürich, 8. April 2008
Roland Dahinden
Flying White: String Quartets Nos 2 – 5
Mode CD
Composer, trombonist and improvisor Roland Dahinden , born in 1962 in Switzerland, studied with George F. Haas, Vinko Globokar, Anthony Braxton and Alvin Lucier, and has performed with Braxton and Hildegard Kleeb. On his third Mode CD, Klangforum Wien String Quartet performs quartets written 2000-04, each dedicated to a visual artist – most notably No 2 (mind rock) for Richard Long. On a purely sonic level, this is an extraordinary listening experience, which seems relatively unaffected by the fact that quartets three and four were recorded using a binaural system in which headphones are preferred. All quartets share a hushed intimacy, with toneless bowing – a skating or rustling sound – perhaps effected by damping the strings and enhanced by close-miking. The worlds of John Cage’s ‘number’ pieces and Christian Wolff’s ‘exercises’ are in the background, but for Dahinden, sonic beauty enters the equation also.
Andy Hamilton, The Wire, London, Jan. 2007
'Monochromatic' is the sort of word one might frequently encounter in relation to Dahinden's music, but it might also mislead. Musically, colourlessness suggests a featureless music that is simple to apprehend and unrewarding to return to, superficial and dreary as a whitewashed wall. But this hardly describes the four quartets recorded here, which are monochromatic in the way that all the leaves in a forest are. To compare either to a flat colourless surface is to ignore any number of other possible and imaginary dimensions. It doesn't take much listening to realise that there is almost too much to take in, not only in one go, but also in many hearings.
Visual comparisons are easy to make, and Dahinden himself is interested in music's intersection with the visual arts. But it's equally easy to overlook the real, musical qualities given to us in favour of compromised metaphors. Because the least interesting aspect of Dahinden's music is how it might recall Rauschenberg’s White Paintings when, in fact, it explores dimensions – across time, into sound, up and down register – uniquely available to it.
All four quartets are even in dynamic (quiet) and rhythm (slow), and unfold a series of short gestures, related to one another and separated by silences; one thinks of late Cage and Feldman, possibly Nono. The strict compression of certain musical parameters forces attention elsewhere – primarily pitch and timbre – but even here Dahinden has carefully limited his options (the most immediately apparent difference between the quartets is the different pitch gamuts they employ). Within this tight envelope remains a range of possibilities regarding the disposition of notes in time, register and across the harmonic spectrum. What emerges is a search for the most brittle sounds; a tiny, imaginary realm between pitch, harmony and noise that deserves the evocative titles Dahinden gives his pieces. Attaching programmes to such music may be a fool's game, but with familiarity one hears the different moods of each piece – 'mond see' as slow and luminous, 'poids de l'ombre' as intense and nervous – and can create aural–textual–visual connections of one's own. Sensibly, Dahinden leaves it at that and lets the sounds alone speak for themselves.
Tim Rutherford-Johnson, Spnm, UK, 2007
Roland Dahinden (*1962)
Flying White – Streichquartette Nr. 2 – 5
Klangforum Wien Streichquartett
Fragile monochrome Klangspuren für Streichquartett
Die Streichquartette von Roland Dahinden beschwören durch die Abfolge der Klänge eine ganz fragile Stimmung. Durch seine Monochromie wirkt seine Musik immer sehr dicht und getragen von großer innerer Ruhe. Flying White, das Blattweiss, soll dafür ein Symbol sein.
SunnyMoon Klassik-Neuheiten, 2007
CD-Rundschau (abgedruckt in: Positionen 71, Mai 2007, S. 52-53)
...Wie diese Werke erweisen sich auch die zwischen 2000 und 2004 entstandenen Streichquartette Nr. 2-5 von Roland Dahinden, bei mode records veröffentlicht, als monochrom gearbeitete Kompositionen. Dennoch steht hinter ihnen eine ganz andere Ästhetik: Dahindens Musik macht den Eindruck eines hermetischen Systems, in dessen Logik man sich jedoch sofort zurechtfindet, so dass man beim Hören allmählich eine enorme Weite wahrzunehmen beginnt. Das Streichquartett des Klangforum Wien widmet sich den eisig wirkenden, auf obertonreichen Klangfarben beruhenden Klanglandschaften aus eindringlicher Harmonik und langsamen, aber unberechenbaren Bewegungen mit einem hohem Perfektionsgrad in Intonation und Zusammenspiel. Höhepunkte sind hier die Streichquartette Nr. 3 und 4, die aufgrund der zur Räumlichkeit erweiterten Stereophonie beim Hören mit Kopfhörer ein räumlich changierendes Wechselspiel von Klängen offenbaren.
Stefan Drees, Positionen 71, Mai 2007
SILBEREN
Picked as one of the 'Top Classical Albums of the Year 2004' by the arts journal The New Yorker
2004 Year-End ‘Best of’ List by Down Town Music Gallery, NYC
Der Schweizer Roland Dahinden, Jahrgang 1962, war Schüler u.a. von Georg F. Haas, Vinko Globokar und Anthony Braxton, wobei er gerade bei Globokar und Braxton die hohe Schule der Improvisation durchlief, der er seitdem mit seiner Posaune alles abverlangt. Doch wie erstaunlich die Diskrepanz zwischen musikalischer Praxis und dem Kompositionsprozess sein kann, lässt sich anhand der beiden Werke erleben, die sich fern von jeglichem exhibitionistischen Ausdrucksdrang bewegen. Im Gegenteil. Als wäre Dahinden noch einmal der Geist von Morton Feldman erschienen, stehen Silberen und Lichtweiss für ein behutsames Ausloten von Musik und Zeit. Die einzelnen Töne, die kurz vor dem Erfrieren zu stehen scheinen, bewegt Dahinden mit vorsichtiger Hand. Minimalistisch, subtil und zart. Mit einer kaum merklichen Differenzierung der Rhythmik und mit einer dynamischen Skala aus Piano und Pianissimo, die den Werken ihre archaische Aura verleiht. Allein Silberen für Streichquartett und Klavier wird damit zu einer Beschwörung der Ursprungslosigkeit, die zum Nachlauschen zwingt. Auf fast 45 Minuten ist dieses Stück angelegt. Und daher muss die Spannung genauso gehalten werden, nichts darf zittern, wie es schon Feldman in seinen mehrstündigen Langstreckenkompositionen für Steichquartett gefordert hat.
Solche auch konditionellen Höchstschwierigkeiten sind jedoch für das Arditti Quartet längst Alltag. Und auch mit der Pianistin Hildegard Kleeb lassen sich diese Slow-Motion-Empfingungswelten ein- und ausatmen. Mit radikaler Aufmerksamkeit für die versiegenden, feinen wie nuancenreichen Klangwerte konturieren sie so Dahindens Extrem-Vorstellungen von fragilen Körpern – und schärfen damit die unendlichen Möglichkeiten des Dazwischen-Hörens.
Mit einer gleichfalls auf den ersten Blick unspektakulären Reduktion lenkt Lichtweiss für Vibrafon Solo die ganze Aufmerksamkeit auf sich. Dahinden ließ sich dafür von fast weißen Gemälden der österreichischen Künstlerin Inge Dick anregen. Und wie die Schattierungen auf der Leinwand nur nach gründlichstem Augenschein sinnfällig werden, so organisiert Dahinden das vierteilige Lichtweiss zu einem luftigen Ton-Mobile, das faszinierend facettenreiche Schatten wirft. Zumal auch hier der Interpret (Bernd Thurner) zum idealen Partner wird, der diese unaufgeregten, musikalischen Grundsubstanzen vor dem meditativen Ritual schützt.
Auch wenn Dahinden nicht zuletzt durch seine Vorliebe für die Bildende Kunst als Initialzündung nahezu endgültig zum Alter Ego Morton Feldmans wird, so gibt gerade diese Einspielung ihm Recht, an dem Projekt jenes Minimalismus weiterzuarbeiten, bei dem Zeit kaum eine Rolle spielt.
Guido Fischer, Neue Zeitschrift für Musik, Schott Verlag, 2005
El ritmo se ha desvanecido; apenas pueden percibirse contrastes; un océano de suavidad envuelve la tímbrica; cualquier temática parece haberse evaporado: de este modo puede describirse la música del suizo Roland Dahinden (1962), un compositor muy cercano a la creación plástica contemporánea e interesado por el concepto de escultura sonora. Sus obras no apelan a la emoción ni a la sensibilidad; por el contrario, la sensación espacial resulta extraordinariamente marcada. Cualquier impresión de peso y volumen ha quedado abolida en beneficio de cierto estado gaseoso de la materia, de ciertos flujos que se expanden indefinidamente por el éter en virtud de leyes y estructuras bien precisas: geometrías ondulantes, círculos y espirales. Contra todo pronóstico, el interés esta garantizado: las dos piezas aquí reunidas, Silberen y Lictweiss, se desenvuelven en un universo de belleza. Para gozar de ella basta con descubrir las sutiles variaciones cromáticas, las íntimas agitaciones internas, los constantes pero casi imperceptibles cambios de ángulo y de luz que alteran la percepción de tan aéreas construcciones.
Silberen (1999), para piano y cuarteto de cuerda, se desarrolla a lo largo de veintiún movimientos entrelazados con misteriosa delicadeza, de tal manera que el conjunto parece desplegarse lentamente pero sin pausas ni inetrrupciones. Poco a poco vamos captando modulaciones y combinaciones familiares de notas, pero que ofrecen siempre diferencias tonales. El cuarteto que participa en la presente grabación es el Arditti: junto a la pianista Hildegaard Kleeb urde un tejido acústico de singular ligereza, una trama de brillos altamente matizados.
Lichtweiss (1999), para vibráfono solo, consiste en cuatro fragmentos, otras tantas exploraciones de armonías de compleja simplicidad, por así decirlo. No hay espectacularidad alguna ni sorpresas extremas, pero lo cierto es que atraen la atención del oyente con el encanto de un magnetismo débil pero innegable. El vibrafonista Bernd Thuerner sabe extraer una interesante gama de sonidos, a veces frotados y otras percutidos, cuyo enigmático encanto no deja de reverberar en el ambiente tiempo después de haber desaparecido.
Norberto Tauste
The Rest Is Noise: à la Mode
Happiness came the other day in the form of a fat envelope from Mode Records, the august New sYork new-music label. For years I've been treasuring Mode's releases of John Cage and Morton Feldman. The new batch contains vol. 8 of the Feldman Edition, Triadic Memories, available either as a single DVD or as 2 CD's, with Marilyn Nonken tickling the ivories; a 2-CD of the music of Cage-Feldman henchman Christian Wolff; the slow, static, largely tonal music of Somei Satoh, with Petr Kotik conducting the Janacek Philharmonic; and nervously expressive works of Jason Eckardt. So far the one I've really fallen for is a disc devoted to Swiss composer-trombonist Roland Dahinden, born 1962, who roams around in the rich landscape between the classical avant-garde and post-free jazz. The big work on the program, silberen, for piano quintet, strongly recalls Feldman in its hushed dynamics and glacial tempo, but something about the mood and sound is quite un-Feldmanlike. The language is not as chromatic as Feldman's, and sometimes hovers on the border of modal tonality, especially at the beginning. While Feldman often has secret narratives and dramas at work in his music, Dahinden avoids even a ghost of tension or conflict; he proceeds serenely from one collection of tones to another, as if puttering around a lunar garden. The Arditti Quartet and pianist Hildegard Kleeb play with magical purity of tone. I'm eager to hear more from this composer.
Alex Ross, The New Yorker, August 31, 2004
Inspired by the play of light in nature and in art, Roland Dahinden creates soundscapes that gleam with aural luminescence, so suggestive of visual phenomena that his work borders on the synesthetic. Similar in its calm ambience and its sense of suspended time to works by John Cage and Morton Feldman, Silberen for piano and string quartet is slow, meditative, and austere in its sonorities, evocative of the chalkstone landscape of the Silberen mountain range. Dahinden's spare notes and chords are treated as pure sounds, interlocking but without melodic connections or harmonic functions, and the cycling of pitches seems independent of structure and direction. The absence of any clear arrival point concentrates the listener's attention on events in the moment, which are touched on briefly then replaced by new combinations. Pianist Hildegard Kleeb and the Arditti Quartet are controlled and guardedly expressive, and their nuanced timbres reveal intense concentration. Bernd Thurner's meticulous performance of Lichtweiss for vibraphone is similarly focused and subdued. As muted as the subtly shaded monochrome paintings of Inge Dick, which stimulated Dahinden's imagination, this piece is based on refined gradations of attack, varied through the use of hard and soft mallets. Supervised by the composer, these works are accurately rendered and superbly recorded.
Blair Sanderson, All Music Guide
Voilà une bien curieuse musique, de type "minimaliste". Rappelons d'abord que l'interprète, improvisateur et compositeur suisse Roland Dahinden a été imprégné par diverses influences en jouant (le plus souvent avec sa femme Hildegard Kleeb) John Cage, Christian Wolff, Morton Feldman, Pauline Oliveros... De 1992 à 1995, il fut l'assistant de Alvin Lucier et Anthony Braxton à la Wesleyan University (Connecticut).
Silberen, c’est trois-quarts d’heure au quatuor à cordes et au piano, dans la nuance piano, sans rythme, sans vibrato, sans thème, sans contrastes frappants, sans but apparent, sans contenu dramatique, sans aucune direction tonale. Les sons sont “blancs” ; pour établir un parallèle avec le monde visuel, disons que l’on aurait l’impression d’observer une sorte de mobile chatoyant flottant très doucement dans un souffle de vent quasi-imperceptible. Ce sont toujours les mêmes éléments qui bougent, mais leur agencement l’un par rapport à l’autre crée d’incessantes nouvelles combinaisons visuelles. De la sorte, les 21 segments qui composent l’œuvre – chacun d'entre eux pour une formation instrumentale différente – sont des visions à chaque fois repolarisées des mêmes éléments de base, comme si l’on écoutait une sorte de cercle sonore où plane même une touche de romantisme. Aucun nombrilisme pseudo-méditatif ici, pas de contemplation, aucune impression de mélancolie, seulement l’envoûtement que peut provoquer l’observation soutenue d’un phénomène en mouvement imperceptible.
La seconde œuvre du CD, Lichtweiss pour vibraphone solo, procède par notes juxtaposées et joue sur les infimes nuances d’attaque entre mailloches douces et dures, sur les différences entre sons frappés et sons frottés avec un archet : Roland Dahinden gradue les sons dans l’espace et nous invite à en éprouver le résultat sonore, harmonieux et souvent harmonique. Comment caractériser cette musique ? Non pas la musique de la contemplation, mais celle de l’observation et du calme, d'une grande subtilité.
CONCEPT OF FREEDOM
Prize Musicora Selection August 2007
ROLAND DAHINDEN / HILDEGARD KLEEB
"Anthony Braxton (+ Duke Ellington)Concept Of Freedom"
Roland Dahinden, tb, Hildegard Kleeb, p,
Dimitris Polisoidis, viol, Robert Höldrich, electr.
(hatOLOGY 614 / Musicora)
Der Zuger Posaunist/Komponist Roland Dahinden (*1962) studierte an verschiedenen Universitäten in den USA (Master of Arts, Doctor of Philosophy in Music), war Assistent von Alvin Lucier und Anthony Braxton und gehört zu den CH-Musikern, denen es ein Anliegen ist, nicht nur genreübergreifend zu schreiben und zu improvsieren, sondern auch interdisziplinär zu arbeiten (seine CD "silberen" mit dem Arditti Quartet wurde vom New Yorker Kulturjournal "The New Yorker" zu den "Top Classical Albums of the Year 2004" gewählt – vgl. JNM Nr. 2/2005, S.37). Der vorliegenden, spannenden, teilweise höchst dramatischen Musik von Dahinden, seiner Frau, der Pianistin Hildegard Kleeb und ihrer langjährigen Partner Polisoidis und Höldrich liegen Erfahrungen mit amerikanischer Musik, aber auch mit Auswirkungen der US-Administration zugrunde, die Idee, über die Musik das Zeitgeschehen zu reflektieren, im Bewusstein des laufenden Krieges der USA gegen den Irak. Grundlage sind notierte Linien von Braxtons Composition NO. 257, die er f¨r das Paar geschrieben hat, aber auch Komponenten anderer Braxton-Titel, sowie Impulse aus den "Freedom"-Parts No. 1, 4 & 6 von Ellingtons Sacred Concert No. 2 (rec. 2003).
2005 (enregistré en 2003) - textes en Anglais - 57:00 - hatOLOGY 614
Musicien essentiel de l’histoire du jazz et de la musique improvisée de ces quarante dernières années, Anthony Braxton est, par ailleurs, un des compositeurs les plus prolifiques de l’histoire de la musique tout court, mêmes si ses compositions sortent du canon classique de l’annotation musicale, à travers partitions graphiques et autres systèmes qui permettent de « prédéterminer la forme et la laisser pourtant ouverte. » Si ses œuvres (dont il reste l’interprète essentiel) ont déjà connu d’autres lectures que la sienne à ce jour (cf. les disques de Guillermo Gregorio et Art Lange, de Gino Robair ou de Kevin Norton entre autres), c’est la première fois, à notre connaissance, que des musiciens reconnus comme compositeurs et interprètes de Musique Contemporaine (Wolf, Cage) s’emparent d’une composition de Braxton et l’entraîne sur leur terrain musical - même si Gregorio et Lange, ce dernier auteur des très riches notes de pochette du disque, possèdent quelques lettres en ce domaine.
Le fait que Roland Dahinden, cheville ouvrière de Concept Of Freedom, collabore avec le compositeur depuis treize ans et a enregistré en sa compagnie au moins cinq disques, que Hildegard Kleeb, son épouse, est l’interprète du quadruple CD dédié à la musique pour piano de ce dernier (« Piano Music (Notated) 1968-88 », hat Art, épuisé) et, enfin, que la composition (« 257 » et qui appartient à la meilleur veine, la dernière, de la Ghost Trance Mudic) qu’ils interprètent ici leur est dédiée, ne change rien à l’affaire : le couple et ses deux complices, le violoniste Dimitri Polisoidis (avec lequel Dahinden et Kleeb forment un trio régulier depuis 1992) et l’électroacousticien Robert Höldrich, abordent la musique d’Anthony Braxton en proche parent de celles de Webern, Stockhausen, Ligeti ou autre Terry Riley (hé oui), parenté qu’accusent les timbres « classiques » des instruments acoustiques et que renforcent, de leurs côté, les sons électroniques.
Loin d’être trahie ou dénaturée, la musique ainsi créée s’impose avec une sorte d’évidence que vient souligner, de façon différente mais particulièrement heureuse, la richesse et la remarquable flexibilité de cette dernière. Dans la tradition instaurée par son auteur, les quatre complices la nourrissent de citations mélodiques empruntées à d’autres compositions du compositeur américain (les « 30 », « 31 », « 69 », « 90 », « 136 ») et, de façon plus surprenante, utilisent comme des d’interludes (ou des respirations) des passages de « Freedom n°1, 4 et 6 » extraits du « Sacred Concert n°2 » de Duke Ellington, initiative qui n’a sûrement pu qu’enchanter Braxton, lequel défend depuis toujours l’idée du continuum spatio-temporel de la musique afro-américaine. Quant aux moments librement improvisés, loin d’être les parents pauvres de cette aventure sonore, ils sont traités comme les cadences d’un concerto classique ou, mieux, les passages aléatoires chers à la Musique Contemporaine, exercices dans lesquels excelle tout particulièrement le piano d’Hildegard Kleeb, éblouissant de bout en bout, mais où sont loin d’être maladroit l’inventif violon de Dimitr Polisoidis i ainsi que le trombone (jouant volontiers dans les graves), de Roland Dahinden. Robert Höldrich, pour sa part, occupe une place plus conceptuelle au sein de ce petit ensemble qui le voit jouer de la répétition de certaines sonorités, déclencher des orages magnétiques, tisser de subtiles nappes sonores ou réutiliser, en le démultipliant, le son des instruments de ses partenaires (violon et trombone essentiellement), le tout avec une maîtrise souveraine et un goût d’une sûreté sans faille. Un grand disque à écouter impérativement et qui devrait intéresser au-delà du cercle des seuls amateurs de la musique d’Anthony Braxton.
Technique: 8 (belle prise de son spacieuse et bien définie) - Artistique: 10
Crescendo Magazine Musique Belge
…There are no lapses of focus on Concept of Freedom. The Quartet here is comprised of classical instrumentalists – pianist Hildegard Kleeb, trombonist Roland Dahinden, violinist Dimitrios Polisoidis and Rober Höldrich on electronics – who simply nail the parts and improvise with as much technical precision as passion. However, their real breakthrough in interpreting Braxton’s GTM is the incorporation of materials from Duke Ellington’s “Second Sacred Concert” into their bracing reading of “Composition No. 257”.
The results are kaleidoscopic. 4 stars, Bill Shoemaker, Downbeat, July 2005
Braxton-Ellington “Concept of Freedom”, Dahinden, Kleeb, Polisoidis et Höldrich: Visionnaire… un travail magistral.
Jean Buzelin, Jazzman France, Octobre 2005
Mr. Dahinden is a composer and performer who has worked with and played the music of Mr. Braxton in the past. His partner, classical pianist Hildegard Kleeb has also performed Braxton's music in the past, as well as Morton Feldman and Christian Wolff. Besides the fact that Duke Ellington & Anthony Braxton are both geniuses in their own ways, they are also wonderful composers, musicians and visionaries. Braxton's "Comp. No. 257" sounds like "Ghost Trance Music", but is played by a fine quartet without Mr. Braxton's guidance. This piece is done spaciously, without that unrelenting pulse. The notes are stretched out at times, giving this a more relaxed, thoughtful feeling with more space between the notes. It also has that modern classical vibe where each note is placed ever so carefully. In the third section, the haze of electronic and trombone drones begin to add a dark undercurrent as the chaotic piano soon takes a very "out" solo. Snippets of Duke Ellington's musical fragments are interspersed within ongoing framework Braxton's evolving work. It is seamlessly connected. The sound mass is often magical and mysterious and difficult to figure out, yet Huguette and I find it completely fascinating.
JAZZLOFT, 2005
Depuis sa formation en 1992, le trio constitué du tromboniste Roland Dahinden, d’Hildegard Kleeb (piano) et de Dimitris Polisoidis (violon), s’oblige à investir tout autant la musique contemporaine que le champ musical improvisé. Ayant plusieurs fois joué aux côtés d’Anthony Braxton, le trio se laisse aujourd’hui aller à ressentir librement le « Concept Of Freedom » du maître, auquel fait écho celui institué plus tôt par Duke Ellington.
Pour ce faire, un invité de passage, Robert Höldrich, chargé de programmations électroniques. Dès l’ouverture, il pose quelques rebonds artificiels sur les interventions ramassées du piano et du violon. Très vite, le contemporain investit le domaine du jazz, et, comme pour amortir le choc, les musiciens décident de s’entendre sur un mouvement lent.
Intelligemment distribués, les duos se succèdent. Le grincement discret du violon vient perturber la précision des notes de piano, qui s’entendent plus facilement avec le phrasé coulant du trombone. Et puis, la discorde, lorsque s’impose un fond sonore programmé, ruche agonisante dans laquelle, frénétiques, les legatos de Kleeb finissent par se rompre. Longues et sombres, les interventions de Dahinden trouvent un certain apaisement, avant d’être renvoyées à leurs harmoniques par un Robert Höldrich n’en pouvant plus de stratagèmes.
Le violon se verra destiner les siens propres, multiplié à souhait et affublé d’une réverbération proche de celle, caractéristique, d’Alexander Balanescu. Une fois l’espace rendu aux vents synthétiques, le piano osera une mélodie d’un lyrisme démuni, planté là sûrement pour tirer des larmes. L’usage de John Cage trouve ici un expédient de choix, et clôt joliment la parenthèse.
Terminée dans les brumes, la liberté faite concept, hantée par la présence des maîtres Braxton et Ellington, aura suivi un parcours changeant, et su tirer parti d’expériences menées en terres étrangères : d’électronique bruitiste et de musique contemporaine. L’ensemble oscille au gré des couleurs mises en place ; la liberté trouvée partout.
dMute, Chroniqué par Grisli
le 22/09/2005
Jazzvision
Estimados Jazzvisionarios:
Cuatro músicos de vanguardia, movidos por el concepto de "libertad", toman composiciones de Anthony Braxton y Duke Ellington y las interpretan desde una perspectiva muy personal, cuyo resultado podría ser considerado un trabajo electro-acústico de vanguardia con dejos de ruidismo.
A un trío de carácter acústico compuesto por la pianista de vanguardia Hildegard Kleeb, el trombonista Roland Dahinden, ambos suizos, y al violinista Dimitris Polisoidis, trío que viene trabajando junto desde el año 1992 en música contemporánea e improvisación, se le une el compositor y músico de electrónica Robert Höldrich para interpretar piezas musicales de Braxton y Ellington.
El programa incluye:
Comp. Nº 257 ( + 30,31,46,69, 90 & 136 ) by Anthony Braxton
Freedom Nº 1, 4 & 6 from the Sacred Concert Nº 2 by Duke Ellington
El siguiente registro fue publicado por el prestigioso sello Hatology y grabado en agosto del 2003.
Dos enfoques musicales, al parecer disímiles, encuentran su punto en común bajo el concepto de libertad: el Trío Dahinden-Kleeb-Polisoidis en esta nueva edición de jazz visión.
Que lo disfruten!
By Kike Hurtado
NAIMA
Odd to see Mode--predominantly a “contemporary classical” label--venturing into free jazz, until you remember that Roland Dahinden has recorded Cage, Wolff and Lucier, and that his sparring partner here, Anthony Braxton, has always sought to straddle the turbulent gulf between improvisation and composition. “Free Lines, part one” finds the two horns working their way--more or less together--through a melodic minefield of angular chromaticism, with drummer Art Fuller tagging along for company. Eventually things take off, Dahinden unleashing a spectacular upper register display, Braxton providing some trademark rubbery flurries, Fuller's elastic brushwork recalling an earlier Braxton drummer, Barry Altschul on the classic 70s Circle albums. The half-sung multiphonic plunger chords Albert Mangelsdorff first amazed us with twenty years ago are now standard modern trombone technique, and Dahinden has mastered them--check out his quietly intense cover of Coltrane's “Naima.” Braxton lays out on his own “Composition 136” (hardly a user-friendly title, but at least he's abandoned those crazy diagrams), bassist Joe Fonda joining Fuller to make up a dynamite trio unit. “Free Lines, part two” works along the same lines as part one, with melodic lines of a more sustained nature (as result the music feels more pastoral, melancholic); strangely, the edgy dissonances somehow remind me of the harmonic language of Steve Coleman, though Braxton's fluffy attack and grainy sustain are light years away from M Base's austere precision. Once more, things pick up with some wicked mute work from Dahinden--on the strength of this album I'd say he was, along with Frenchman Yves Robert, one of the hottest trombonists around right now. Let's hope the avant garde Mode subscribers use this fine album to springboard into the world of free, and, in the other direction, Braxton fans will see fit to check out other excellent releases on the label.
Paris Transatlantic archives
Music that blurs the lines between New Music and Jazz...
Swiss musician Roland Dahinden is not your typical trombonist. Equally at home in New Music, Jazz and Improvisation, he is a favorite interpreter of Anthony Braxton, John Cage, Christian Wolff and Alvin Lucier, as well as being acclaimed for performances in the trombone/piano duo with Hildegard Kleeb. On disc, Dahinden is well known for his Hat Art recording devoted to Cage and Wolff. This disc is the first release of his own compositions and interpretations of John Coltrane's classic Naima and Anthony Braxton's Composition 136.
To quote Kyle Gann's liner notes for this disc: "This music isn't a combination of jazz and classical forms, or something in-between, but a true hybrid. The striking roughness of the timbre, the studied casualness of the rhythmic momentum, remove the music from any feeling of classical performance. The ghost of jazz wanders in during the more frenetic trombone and saxophone moments, but never for long. Dahinden offers a kind of frozen vernacular, an offhand, indigenous style of musical speech caught and abstracted on the canvas of time."
BORDERLINE
ENSEMBLE MONTAIGNE (ROLAND DAHINDEN, COND)
ANTHONY BRAXTON (BAU 4) 2013
LEO RECORDS CDLR684
Many people have tried to put Anthony Braxton's compositions into a genre-box, and all who try have failed. In fact, Braxton has spent years watching his music be recorded and released to the public only to watch the reviewers spend altogether
too much of their assessment trying to explain what the music is rather than how it sounds. That is one misstep this reviewer hopes to avoid. Suffice it to say that this recording fits nicely in the Braxton oeuvre. Braxton as a person, however, has been labeled everything from a "genius" by the MacArthur Foundation to a "jazz master" by the National Endowment for the Arts. His music is some of the United States's finest art and it embodies the post-modern spirit of contemporary America. This particular recording pits Braxton's work with a fantastic chamber ensemble, led by Braxton's protégé Roland Dahinden. The music is actually very difficult to perform effectively, but the musicians in this group are quite capable of handling the work and execute the recording with precision. The music is rhythmically very chaotic and rife with urgency and anxiety. The ensemble gives the impression of a sort of full-group, symphonic improvisation. Still, there are often some beautiful moments where Braxton has written a soaring melody that will appear from one of the woodwind instruments. The recording reveals a very "authentic" interpretation of Braxton's work. It is a must-have for all Braxton fans.
Dustin Mallory, Cadence Jazz Magazine, March 2014
Die Welt des Roland Dahinden
Es ist eine seltsame Distanz, die Roland Dahinden in seinen Kompositionen zwischen der Musik und dem Hörer aufzuspannen scheint: Die bei mode records in New York veröffentlichten, zwischen 2000 und 2004 entstandenen Streichquartette Nr. 2 bis 5 signalisieren mit ihrer monochrom wirkenden Klangfarbengestaltung zunächst eine hermetische Verschlossenheit, die sich dem direkten Zugriff verweigert. Bei genauerem Anhören beginnt sich allerdings die zwingende und doch unvorhersehbare Logik dieser filigranen Kammermusik zu erschliessen, und hinter den changierenden Klängen, die sich immer am Rande der Zerbrechlichkeit bewegen, öffnet sich der Hörwahrnehmung eine enorme Weite. Dieses paradox anmutende Verhältnis zwischen Gesamteindruck und Detail resultiert aus der kombinatorisch geregelten Wiederkehr von Elementen eines begrenzten Materialreservoirs
– von Elementen, die in Abfolge, Beschaffenheit und Dichte ihres Zusammenklangs ständig verändert werden und sich dadurch zu unberechenbaren Tonraumausfüllungen und harmonischen Farbgebungen zusammenfügen. Die Partituren, vom Komponisten in «space notation» mit gewissen Freiheiten für die Interpreten notiert, werden vom Streichquartett des Klangforums Wien mit hohem Perfektionsgrad in Intonation und Zusammenspiel umgesetzt. Höhepunkte sind für mich die Streichquartette Nr. 3 und 4, die aufgrund der zur Räumlichkeit erweiterten Stereophonie beim Hören mit Kopfhörer ein faszinierendes, räumlich erfahrbares Wechselspiel der Klänge offenbaren und dadurch wohl am ehesten Dahindens Vorstellung vom Ineinandergreifen innerer und
äusserer Klangraumbewegungen entsprechen.
Angesichts solch introvertierter Hörsituationen in intimer Kammermusikbesetzung mögen andere Arbeiten aus
den Grenzbereichen von Jazz und zeitgenössischer Musik auf den ersten Blick zwar irritieren, gehören aber
dennoch zur künstlerischen Gesamterscheinung des Composers/Performers Roland Dahinden. Bezeichnend hier-
für ist das bei Hat Hut Records veröffentlichte Projekt Concept of Freedom auf der Grundlage von Anthony Braxtons Composition No. 257, dessen Realisierung den beteiligten Musikern – neben Dahinden an der Posaune Hildegard Kleeb (Klavier), Dimitrios Polisoidis (Violine) und Robert Höldrich (Live-Elektronik) – ein hohes Mass an Freiraum für die improvisatorische Gestaltung lässt. Die zwischen angespannter Nervosität auf der einen und poetischer Klangauslotung auf der anderen Seite changierende Aufnahme erweist sich in dramaturgischer Hinsicht
als Glücksgriff, denn sie fängt die stellenweise überbordende Virtuosität ebenso gut ein wie jene Momente voller deklamatorischer Intensität, in denen die Musiker gleichsam zu Sprechern oder agierenden Personen einer Geschichte zu werden scheinen.
Wiederum ganz andere Töne schlägt Dahinden gemeinsam mit Roland Schiltknecht (Hackbrett) und Gabriel Schiltknecht (Perkussion) auf der bei Zytglogge erschienenen CD bann an. In elf musikalischen Skizzen, gedacht
als Hommage an die Landschaft der Glarner Berge, entwerfen die Musiker ein sinnliches Klangpanorama, in dem Dahindens ruhige Alphorn- und Posaunen-Melodiebögen gelegentlich auch arabeskenhaft in die Höhe steigen
und sich mit farbig-bewegten Harmoniehintergründen und rhythmisch subtilen Perkussionsspiel vereinigen. Ist
das «Ethnojazz» mit experimentellem Einschlag im weitesten Sinne? Vielleicht: aber eigentlich braucht die Musik keine Etikettierungen, denn sie überzeugt durch ihre Intensität und tritt – obgleich ganz anders ausgerichtet – in Dahindens künstlerischer Welt gleichberechtigt neben die komponierten Klänge.
Stefan Drees in dissonanz # 100. Dezember 2007
Christian Wolff
TILBURY PIECES / SNOWDROP
Roland Dahinden / Hildegard Kleeb / Dimitrios Polisoidis
MODE 74
"Strictly applied chance procedures are the ultimate systemic procedures," writes Christian Wolff in his notes to his "minimalist" series of pieces (whose title refers of course to pianist John Tilbury, an associate of long standing). Anyone expecting old-school minimalism will be somewhat bemused by these deceptively fragile works, though: Wolff's underlying compositional systems are far from instantly discernible ("the idea is that sounds come in fixed cycles, like planets in a solar system. For example, sound x appears at a more or less fixed duration every 54
beats, sound y every 29, sound z every 11, and so forth."), and the flexibility of instrumentation, choice of clef and open- form structures reveal his evident desire on a musico-political level to leave the performer a certain degree
of freedom-this in sharp contrast to the minimalism of Reich and Glass, where performers effectively become mere components of a machine ("once the process is set up and loaded it runs by itself", wrote Reich in 1968).
The piece here that most resembles the repetitive surfaces of mainstream minimalism, "Snowdrop", is Wolff's notated realisation of an open system similar to those used in the "Tilbury" series, though its gently rolling
arpeggios are light years away from Phil Glass (who hadn't yet patented the arpeggio back in 1969 and 1970, when
all but one of these works were written). The other pieces, their notes delicately poised in silence like flecks of
paint on a blank canvas, turn back in the direction of Feldman and Cage (and ultimately Satie), rather than towards
the austere droneworld of Young or the incessant chatter of Reich and Glass. The turn on/tune in/drop out aspect of minimal music (that endeared it to drug-ravaged rockers and ambient new-agers alike) is anathema to Wolff; as
such, perhaps one shouldn't dwell on the minimal connection, though it is comforting to note that he has been able
to return to the "Tilbury" series in all its limpid freshness recently ("Tilbury 5" dates from 1996), at a time when Reich has all but dried up altogether and Glass has lost all sense of what he's doing, awash in a sea of aimless twiddling.
Anthony Braxton: Ensemble Montaigne (BAU 4) 2013 (Leo Records, 2013)
Aunque en realidad es una demostración de casi nada, siempre es interesante ver qué ocurre con la música cuando pasa por el tamiz de tradiciones diferentes a la que pertenece en su origen.
Es el caso de la formación suiza de música clásica contemporánea Ensemble Montaigne y su interpretación de la música de Anthony Braxton. Dirigido por Roland Dahinden (alumno entre 1992 y 1995 de Anthony Braxton en la universidad Wesleyana de Connecticut), el repertorio de Ensemble Montaigne (BAU 4) 2013 incluye exclusivamente composiciones de Braxton.
Todas ellas apenas han sido grabadas, salvo las Composition “136" y la “96" (que han sido registradas repetidas veces, la primera en un CD de Dahinden en el que participó como instrumentista el propio Anthony Braxton). Pertenecientes algunas de ellas a lo que algunos pueden calificar como “la parte menos amable del repertorio braxtoniano”, han sido interpretadas por un ensemble de percusionistas (“Composition 174"), fueron escritas originalmente para un trío de instrumentistas enfocadas en el uso del lenguaje improvisacional más que por medio de una partitura al uso (“Composition 94") o incluso fueron creadas para ser interpretadas por una orquesta y cuatro proyectores de diapositivas (“Composition 96", dedicada a Karlheinz Stockhausen).
El Ensemble Montaigne interpreta esos temas adaptándolos al terreno de la clásica contemporánea, ocultando perfectamente lo escrito de lo improvisado, de modo que no resulta sencillo discernir a qué territorio musical pertenece la música. En el fondo, no es más que una demolición de barreras en toda regla y totalmente efectiva.
Pachi Tapiz, tomajazz.com 2013